Notre note : 5,5/10
Avec Quelques jours à Nagi, Kōji Fukada installe ses personnages dans une petite ville rurale japonaise où le temps semble s’être retiré du monde. Présenté en compétition au Festival de Cannes 2026, le film met en scène les retrouvailles de Yoriko, sculptrice solitaire, et de Yuri, son ancienne belle-sœur, dans un paysage calme, presque immobile, où les blessures anciennes circulent davantage dans les silences que dans les dialogues.
Nagi est une ville de campagne, mais surtout un état intérieur. Ici, les personnages se croisent, se regardent et avancent souvent dans la même direction, comme si chacun partageait le même horizon sans parvenir à rejoindre véritablement les autres. La mise en scène de Fukada privilégie les espaces ouverts, les déplacements lents, les conversations retenues et les gestes minuscules. Tout semble obéir à une forme de politesse japonaise, à cette manière de contenir l’émotion jusqu’à la rendre presque invisible.
Cette retenue constitue à la fois la force et la limite du film.
Il y a dans Quelques jours à Nagi une vraie beauté de l’attente. Les personnages possèdent une densité secrète : une femme seule qui s’est construite à distance du monde, une visiteuse qui revient avec ses propres fêlures, des hommes et des adolescents pris dans des relations dont ils ne comprennent pas toujours la nature. Fukada observe ces êtres sans les juger et sans chercher à souligner artificiellement leurs douleurs.
Certains moments sont réellement touchants. Ils naissent rarement d’une déclaration ou d’un retournement spectaculaire, mais d’une présence, d’un regard qui s’attarde, d’un silence qui devient soudain plus expressif qu’une longue explication. Le film sait alors atteindre une émotion discrète, presque fragile, qui semble appartenir autant aux personnages qu’au paysage qui les entoure.
Mais cette délicatesse finit aussi par peser. La lenteur de la campagne devient parfois celle du récit lui-même. Les scènes s’étirent, les enjeux restent longtemps en suspens et l’impression de solitude se transforme par moments en ennui. On comprend ce que Fukada cherche à faire : filmer les zones grises, les sentiments inavoués, la difficulté de vivre ensemble au Japon. Pourtant, la mise en scène ne parvient pas toujours à donner à cette immobilité une véritable tension.
La séquence du retour sous la pluie résume assez bien cette ambivalence. Elle devrait constituer un moment de bascule, presque une image romanesque de la solitude et du retour à soi. Elle apparaît pourtant maladroite, comme si le film hésitait entre le naturel du geste et la composition symbolique. Le sentiment est là, mais la scène manque de précision pour le faire pleinement naître.
Fukada s’appuie également sur plusieurs codes du cinéma japonais : le rapport silencieux à la famille, les obligations implicites, les sentiments qui se déplacent autour des mots, l’importance du collectif face à l’individu et cette façon de faire exister les conflits dans les espaces intermédiaires. Les personnages ne disent pas toujours ce qu’ils ressentent, mais ils laissent derrière eux une série de signes que le spectateur est invité à interpréter.
Cette approche pourra séduire les spectateurs sensibles au cinéma contemplatif, aux récits de filiation et aux drames intimes qui refusent le spectaculaire. Elle pourra aussi laisser à distance celles et ceux qui attendent des personnages plus directement incarnés et une progression dramatique plus nette.
Quelques jours à Nagi est donc un film de sensations plus que d’événements. Une œuvre sincère, élégante par endroits, qui observe avec pudeur la solitude, les liens familiaux et les désirs empêchés. Mais sa douceur, parfois véritablement émouvante, se confond trop souvent avec une forme de neutralité.
À Nagi, tout le monde semble regarder dans la même direction. Le problème est peut-être que le film, lui aussi, finit par regarder longtemps sans toujours savoir ce qu’il veut nous faire voir.